AÑO NUEVO.

¡FELIZ TODO NUEVO!

No se si sea posible renovar todo, pero lo que se pueda que sea nuevo y mejor, les desean los hacedores de Los Sueños a todos sus lectores que se asomaron a este sitio por casualidad, por curiosidad o por gusto y se hicieron asiduos, los varios miles de visitas que recibimos en el año nos animaron a seguir con el blog otros 365 días más, el agradecimiento por su fina atención va con una canción de Lucio Dalla que habla de "L' anno che verrá" o El año que vendrá.


Caro amico ti scrivo, cosi' mi distraggo un po'
e siccome sono molto lontano, piu' forte ti scrivero'
Da quando sei partito c'e' una grossa novita'
l'anno vecchio e' finito ormai, ma qualcosa ancora qui non va
Si esce poco la sera, compreso quando e' festa
e c'e' chi ha messo dei sacchi di sabbia vicino alla finestra
E si sta senza parlare per intere settimane
e a quelli che hanno niente da dire del tempo ne rimane
Ma la televisione ha detto che il nuovo anno
portera' una trasformazione, e tutti quanti stiamo gia' aspettando
Sara' tre volte Natale e festa tutto il giorno
ogni Cristo scendera' dalla croce e anche gli uccelli faranno ritorno
E ci sara' da mangiare, e luce tutto l'anno
anche i muti potranno parlare mentre i sordi gia' lo fanno

E si fara' l'amore, ognuno come gli va
anche i preti potranno sposarsi, ma soltanto a una certa eta'
E senza grandi disturbi qualcuno sparira'
saranno forse i troppo furbi o i cretini di ogni eta'
Vedi caro amico, cosa ti scrivo e ti dico
e come sono contento di essere qui in questo momento
Vedi vedi vedi vedi, vedi caro amico cosa bisogna inventare
per poter riderci sopra, per continuare a sperare
E se quest'anno poi passasse in un istante
vedi amico mio, come diventa importante che in quest'istante ci sia
[anch'io
L'anno che sta arrivando tra un anno passera'
io mi sto preparando ... e' questa la novita'

ROCK MEXICANO. La Revolución de Emiliano Zapata.

LA REVOLUCIÓN DE EMILIANO ZAPATA.
"La Verdadera Vocación de Magdalena".
1972.

La verdadera vocación de Magdalena es una película de Jaime Humberto Hermosillo, realizada en 1972, en momentos en que la música y filosofía hippie habían llegado a México, un año antes se realizó el Festival de Avándaro o "El Woodstock Mexicano" porque por mucho tiempo fue el festival de rock masivo más importante de nuestra historia y empezaba a gestarse una cultura juvenil como parte de un fenómeno global, en éste contexto hizo Hermosillo su film que ya era parte de una nueva etiqueta para los productos cinematográficos, "El Cine Juvenil".

El grueso de las películas "juveniles", estaban enraizadas en el tradicional melodrama mexicano, defensor de las "buenas costumbres" y los valores decimonónicos , las historias narradas abordaban el "problema juvenil", casi invariablemente con el recurrente argumento de la juventud rebelde, desorientada y descarriada que se la pasa haciendo pendejadas y estas pendejadas, tarde o temprano se le revierten como acción divina, por supuesto que no faltan los padres sufridos que hacen lo humano y más allá, para devolver a sus críos al "buen camino", cuando no son tan malos que se mueren antes de que aparezca el famoso letrero que anuncia el fin de la película.

Hermosillo, joven realizador en esa época, formaba parte de una nueva generación de cineastas con otra visión del mundo y la verdadera...resultó una película que pintó raya en el agua, en principio parecía que todo seguiría igual, la muchacha decente y reprimida que conoce al greñudo, bohemio y para colmo rocanrolero y cambia su conducta abominando los valores familiares o como dirían los mayores, se aloca, se desafora y deja de ser una mujer decente, descubre un mundo ignorado que le permite replantearse sus ideas de sí misma como mujer y como ser social.



En ese momento, el grupo de rock sicodélico La Revolución de Emiliano Zapata, estaba en el momento más alto de su carrera, porque incluso ya habían llamado la atención en Estados Unidos y Europa y Jaime Humberto quien ya había participado en la filmación del Festival de Avándaro, decidió incluirlos en la película en la que Javier Martín de Campo, líder del grupo hacía el papel protagónico de Emeterio, el rocanrolero jipioso que habriría la mente de la protagonista interpretada por "la novia de México" o sea, ni más ni menos que, Angélica María quien en esos tiempos estuvo a punto de dar el gran paso ideológico, pero tuvo miedo de dejar de ser aceptada por el México adulto que la había encumbrado.

El disco que estamos presentando resulta ser, el Soundtrack de la película junto con otras canciones del grupo grabadas para otros fines, pero lo importante es que las cualidades musicales de los integrantes del grupo se muestran más maduros que en el álbum clásico del año anterior, hoy diriamos que es sólo un disco de rock sicodélico entre muchos que producían gringos e ingleses, porque ni siquiera el idioma los distinguía, pero en México y en esa época eran un producto totalmente fuera de serie y Los Sueños, tu blog favorito y recurrente rescatador del rock mexicano de calidad lo pone a tu consideración, esperamos tus opiniones.

Aquí se descarga el disco.

MIS DISCOS CLÁSICOS. The Crazy World of Arthur Brown.

ARTHUR BROWN. "The Crazy World of Arthur Brown". 1968.

Otro reperesentante del rock sicótico, hijo conceptual de Screamin' Jay Hawkins es el inglés Arthur Brown, quien era desquiciado en tiempos de la sicodelia, una combinación extrema que entre otras cosas lo llevó a tener un número 1 en las listas inglesas y 2 en las norteamericanas con la clásica de clásicas "Fire", canción sensacionalista, satánica, macabra y de excelente hechura.

"El Mundo Enloquecido" es hermano en apariencia de los discos de Lord Sutch, pero Brown tenía muchos más talentos y un colaborador que fue clave para la realización de esta joya discográfica, que cuarenta y tantos años después, es una clásica del rock sicodélico y en general, el susodicho colaborador era Vincent Crane, otro loco muy talentoso que colabora en la composición de las canciones, los arreglos de éstas y la ejecución de algunos instrumentos.



Por otra parte, la voz enloquecida de Brown, seguramente influida por Jay Hawkins (esta es una inferencia personal, no lo he encontrado documentado en ninguna parte, pero la concepción de sus shows y el cover que hizo de "I Put a Spell on You", me hacen pensar que era fan de él) era la voz perfecta para esta locura musical, deliciosamente sicodélica y hasta divertida, todas las piezas son de gran calidad excelentemente cuidadas y ambientadas, amén de el "cover" mencionado que aparece como "bonus" junto con otras grandes canciones de Brown y Crane que complementan un discazo desde cualquier punto de vista recomendable.

Aquí se descarga el disco que originalmente en esta edición aparece en versión mono y también en stereo, pero para efectos de mayor eficiencia al cargar y descargar sólo está la versión stereo y los "bonus".

EL AUTÉNTICO LAMENTOSO. Screamin' Jay Hawkins.

SCREAMIN' JAY HAWKINS.
"Portrait of a Maniac".

El exitoso Lord Sutch de fines de los sesentas impresionó al público inglés de jóvenes carapálidas, porque no conocían a Jay Hawkins, gritante, maníaco y necróilo, nacido treinta años antes en Cleveland, Ohio y de quien Sutch era super admirador y al que calcó, la idea de los espectáculos necrófilos, macabros y performanceros, tempranos en el rock, pero no sólo le copió la escenografía, el género musical y el modo de cantar, sino hasta el apodo.

Hawkins empezó a tocar el piano a muy temprana edad y a los quince se alistó en la armada, hecho que lo llevó a participar en la Segunda Guerra Mundial, estando en el frente aprendió a tocar sax y una de sus labores era entretener a la tropa, al regresar de la guerra renunció a su sueño de ser cantante de ópera y se volvió un bluesman, desde esa visión entroncó con el naciente rock 'n' roll y mezcló todas sus influencias con la parafernalia macabra que quién sabe de dónde sacó y se convirtió en un extraño personaje, alucinado e irreverente, no pocas veces mal visto en la sociedad gringa de tiempos de Eisenhower.



Su gran éxito fue "I Put I Spell on You", la multiversionada canción emblema del blues y la música afroamericana en general y que yo conocí con mis admirados Creedence, para después encontrarme con una versión grandiosa de Arthur Brown que a leguas se ve tiene gran deuda con la de Hawkins.

Buscando aquí y allá, un buen día encontré esta antología del plañidero Hawkins, que incluye sus grandes éxitos, la mayoría editados en EP y la sorpresa de contener una de mis favoritas arcaicas "I've Got You Under My Skin", escúchalo lector y descubrirás como yo, que la única habilidad que tenía el Lord, era hacerse de conspícuos y talentosos amigos, no más y que Hawkins, en cambio, fue la influencia de más de uno: el mencionado Arthur Brown, Alice Kooper, Iggy Pop, Marylin Manson y los que quieras agregar a la lista.


Aquí se descarga el disco.

ANIVERSARIO LUCTUOSO. Lennon.

WOMAN IS THE NIGGER OF THE WORLD.
John Lennon.

Esta es una canción del Lennon ultra feminista, el que se creyó tanto el discurso que le cambió la chamba a Yoko y se volvió amo de casa, atendiendo al chavo, cocinando, yendo de compras, barriendo, trapeando y lavando la ropa.

Es ese Lennon un tanto inocente, pero muy auténtico y sincero, la letra podrá sonar trillada, después de tanto discurso feminista super elaborado, pero en su momento y viniendo de un hombre tan famoso, fue un gran impacto, apareció en Some time in New York City, de 1972.





LA MUJER ES EL NEGRO DEL MUNDO.

La mujer es el negro del mundo
sí, lo es
piensa en ello
la mujer es el negro del mundo
piensa en ello
haz algo por ello

La obligamos a pintarse la cara y bailar
si no quiere ser una esclava, decimos que no nos ama
si es verdadera, decimos que trata de ser hombre
mientras rebajándola fingimos que está por encima de nosotros

La mujer es el negro del mundo
sí, lo es
si no me crees echa una mirada a la que está contigo
la mujer es el esclavo de los esclavos
y deberíamos gritar por eso, sí

La obligamos a tener y criar a nuestros hijos
y después la hacemos a un lado por ser una gallina vieja y gorda
le decimos que el hogar es el único sitio, donde debe estar
y después nos quejamos de que es poco mundana para ser nuestra amiga

La mujer es el negro del mundo
sí, lo es
si no me crees echa una mirada a la que está contigo
la mujer es el esclavo de los esclavos
sí, muy bien.

La insultamos todos los días en la televisión
y nos preguntamos por qué no tiene agallas ni confianza
cuando es joven, matamos su voluntad de ser libre
mientras le decimos que no sea tan lista
la rebajamos por ser tan tonta

La mujer es el negro del mundo
sí, lo es
si no me crees
echa una mirada a la que está contigo
la mujer es el esclavo de los esclavos
sí, lo es


WOMAN IS THE NIGGER OF THE WORLD.

Woman is the nigger of the world
yes she is...think about it
woman is the nigger of the world
think about it...do something about it
We make her paint her face and dance
if she won't be a slave, we say that she don't love us
if she's real, we say she's trying to be a man
while putting her down, we pretend that she's above us
Woman is the nigger of the world...yes she is
if you don't believe me, take a look at the one you're with
woman is the slave of the slaves
ah, yeah...better scream about it
We make her bear and raise our children
and then we leave her flat for being a fat old mother hen
we tell her home is the only place she should be
then we complain that she's too unworldly to be our friend
Woman is the nigger of the world...yes she is
if you don't believe me, take a look at the one you're with
woman is the slave to the slaves
yeah...alright...hit it!
We insult her every day on tv
and wonder why she has no guts or confidence
when she's young we kill her will to be free
while telling her not to be so smart we put her down for being so dumb
Woman is the nigger of the world
yes she is...if you don't believe me, take a look at the one you're with
woman is the slave to the slaves
yes she is...if you believe me, you better scream about it
We make her paint her face and dance
we make her paint her face and dance
we make her paint her face and dance
we make her paint her face and dance
we make her paint her face and dance
we make her paint her face and dance

ZAPPA Y EL CAPITAN.

ZAPPA / BEEFHEART/ MOTHERS.
"Bongo Fury"
1975.

La amistad y colaboración entre Zappa y Don Van Vliet ya era vieja cuando decidieron hacer este álbum juntos, ya estaban como antecedentes "Trout Mask Replica", el que muchos consideran el mejor disco del Capitán, producido por Zappa o "Willie the Pimp" la emblemática canción de Zappa que canta Beefheart en Hot Rats.

La relación de Zappa con sus músicos, casi siempre fue una relación laboral en la que Frank el patrón, detectaba a la genta que le podría servir para el proyecto que tenía en mente, les pagaba generosamente mientras estaban con él y los despedia cuando ya no le servían y pocos, muy pocos de estos personajes eran en verdad sus amigos, exceptuando a los Madres originales y a Van Vliet, se podría decir que todos los demás que trabajaron con Zappa, sólo fueron empleados.

Mucha gente que trabajó con él, lo acusó después de déspota y tirano, el acusado se defendía así cuando era cuestionado al respecto:



"... lo que pasa es que muy pocos músicos tienen el grado de autodisciplina que tengo yo. Si quieres tomar un grupo como éste y llevarlo alrededor del mundo y ofrecer buenos espectáculos cada vez que subes al escenario, no puedes conseguirlo siendo desordenado. Es precisa una disciplina dentro del grupo; algunos permanecen en el grupo por una razón: les doy mucho dinero. Y si, habitualmente, encuentro que un músico se queda conmigo solamente porque le pago bien, tiene que irse...Porque yo quiero personas a las que les guste la música que tocan, y alguna gente viene a la orquesta por razones diferentes, algunos dicen que les gusta la música, pero no les gusta realmente y los contrato porque necesito a alguien en ese momento, más tarde se van. Otros se unen al grupo diciéndose: Si trabajo con Zappa durante un tiempo. voy a hacerme famoso y después iré a hacer alguna otra cosa."

Pero la historia de esta grabación era otra, una especie de reunión de viejos amigos para una presentación en vivo, allí estuvieron los mothers George Duke, Napoleon Murphy, los hermanos Fowler y Terry Bozzio.junto con el Capitán Corazón de Bistec y Zappa, disfrutando la amistad, el gusto por la música y la adrenalina de la presentación en vivo.

El Capitán Arrachera y el maestro Zappa, vocalizan potenciando la locura y la irreverencia, mientras las madres de la creación (artificial), despliegan sus talentos individuales y colectivos, con música vanguardista, jazz, rock y blues, mucho blues, abierto o disfrazado pero siempre blues.

Aquí se descarga el disco.

MIS CLÁSICOS. Hot Rats.

FRANK ZAPPA.
"Hot Rats"
1969.

Conocí la música de Frank Zappa siendo adolescente y escuchando Vibraciones, aquel programa radiofónico, que transmitía Radio Capital y que fue mi primera ventana al mundo del rock, en esa serie que mostraba muchos de los grandes discos que iban saliendo a la venta, solían poner The Gumbo Variations, quinto corte de Hot Rats, al principio, mis oídos acostumbrados a música más convencional se desconcertaban mucho, pero algo en lo más profundo de mi subconciente me decía que estaba ante algo trascendente.

La verdad es que, aunque no entendía la música de Zappa, me hacía sentir bien el saberme miembro de un grupo de seres especiales que escuchaban música que la mayoría de la gente ni sabía que existiera y a la vez me llamaban la atención tantos timbres instrumentales que no podía identificar y que estimulaban de algún modo mis oídos.

Un día alguien, me prestó el disco que ya había sido editado en México, en esa edición, además del nombre del disco y del autor, estaba una leyenda que decía: Progresive Rock y eso despertaba en mí una curiosidad extra porque el término Rock Porgresivo, tan conocido hoy, no existía aún y era sumamente interesante, la idea de estar escuchando algo así como el rock del futuro.

Muchos años pasaron en los que escuchaba Hot Rats en una grabación en cassette que no me daba el placer extra de tener el disco, con esa portada fascinante, las fotos del interior y las notas, pero llegó el día en que tuve mi propia copia en vinilo y entonces, todo cambió.

Hasta entonces mi corte favorito había sido Willie the pimp, que es el más convencional y roquero, pero ya con el disco a mi disposición y las notas que me informaban de los músicos participantes y sus instrumentos, empecé a distinguir los distintos timbres instrumentales y después, las intrincadas tramas sonoras creadas por el genio de Frank, música cuasi sinfónica, con momentos de gran intensidad y de calma plácida, sus andante sus allegro y sus presto, música vanguardista, rock, jazz y sinfónica en donde el tono original estaba sobre todo en la combinación de timbres instrumentales insólitos.

Sólo a Zappa se le ocurria mezclar violín con instrumentos de aliento metálicos, piano y órgano, junto a el bajo y la guitarra eléctrica y tú me dirás, lector, ¡pero si son los instrumentos del rock-blues! sí, pero la forma en que están mezclados en Hot Rats hacen pensar en instrumentos de otro planeta, por todas estas razones, Hot Rats se fue colocando cada vez más arriba en el Hit Parade personal, hasta llegar a la cima, si hoy me preguntan ¿cuál es mi disco favorito, el más trascendente de los que he escuchado en mi vida? la respuesta más segura es: Hot Rats de Frank Zappa.


Con la popularización del CD, no pude resistir la tentación de tener Hot Rats en ese formato y la decisión fue un acierto, con la remasterización y la reproducción digital, la grabación original adquiere otras dimensiones, sonidos que estaban un tanto ocultos por otros, resaltan y en cierto modo, presentan otro disco, con nuevas cosas por descubrir y por último, hace como dos meses, encontré un disco que se llama Prophetic Attitude, del quinteto de vientos "Le Concert Improptu" tocando música de Zappa, en el aparecen dos piezas de Hot Rats, arregladas para cinco instrumentos de viento diferentes, con este tratamiento, las piezas de Zappa suenan como si desde siempre hubieran sido hechas para Sinfónicas o grupos de Cámara, pero esa...es otra historia. En el video, se puede escuchar Willie the Pimp, en la versión original del disco, en ella están, la voz de Captain Beefheart, el gran amigo de Zappa, en la única pieza cantada del álbum y un solo increíble de guitarra tocado por Frank, no es una exageración decir que es uno de los solos de este instrumento más difíciles de toda la historia del rock.

Aquí puedes descargar Hot Rats.


The gumbo variations
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CANCIONES FAVORITAS. Willie the Pimp.

WILLIE THE PIMP.
Frank Zappa.

Esta es una extraña canción en medio de un disco extraño, la única "canción" en el sentido estricto del término, o sea, pieza musical que se canta, porque el resto del álbum es totalmente instrumental, si a Zappa se le puede clasificar a muy grandes rasgos como un músico que hacía extensas y complejas piezas instrumentales para orquestas numerosas y también canciones que transitaban por muchos géneros de la música popular, blues, rock, música oriental, country, rockabilly y jazz, Hot Rats, el álbum de que hablamos tiene de las dos vertientes, es un disco portentoso de jazz, música vanguardista y rock y en medio de este portento está esta clásica zappiana y del rock-blues universal.

Es un blues, grasiento y pervertido, híbrido de las mejores tradiciones de la música afroamericana y las habituales distorsiones que Frank hacía con todo género que caía en sus manos, para hacerlo aún más agresivo, irrespetuoso y delicioso, cantado por Don Van Vliet, ese otro personaje bizarro, tan afín a Zappa y con quien por mucho tiempo tuvo una gran amistad,

De ritmo semilento, arrastrado, chorreante de los riffs de Frank y la voz de Don y un memorable solo de guitarra tocado por Zappa, interminable y virtuoso, para demostrar que Don Francesco, no sólo tenía la mente poblada de extrañas estructuras sonoras, sino que también era un instrumentista de gran altura, para muchos miembro del grupo de los cincuenta mejores guitarras del rock en toda la historia, para su tecleador, entre los diez mejores y ya se imaginarán a los otros.

La historia que se cuenta, es la de los lenones negros que con sus sexoservidoras rondan los hoteles para turistas ofreciendo su mercancía, la descripción de sus vestimentas, las tácticas de las chavas para atraer a los clientes, todo esto contado con la jerga de los personajes, lo que hace una traducción exacta muy difícil, así que mi querido lector conformate con esta aproximación.



WILLIE EL LENÓN.

Soy un padrotito con el pelo gaseado hacia atrás, Par de
pantalones khacki, con mis zapatos negros brillantes Tengo a
una damita... que camina por la calle Diciendo a los muchachos
que no puede mover veinte dólares (puede establecer un negocio legal)
Nos vemos en la esquina chavo, no te vayas a tardar
en una suite con corbata para apantallar ¿Desea comprar
un gruñido para la tercera función con un tipo parado, verificando ?
en el pórtico del Lido Hotel, en el vestíbulo del amor
la forma en que se venden: CALIENTE CARNE DE RATAS CALIENTES GRANOS CALIENTES
MUÑONES CALIENTES DEL RITZ
RAÍCES CALIENTES HOLLÍN CALIENTE.

WILLIE THE PIMP.

I'm a little pimp with my hair gassed back
Pair a khacki pants with my shoes shined black
Got a little lady...walk the street
Tellin' all the boys that she can't be beat
Twenny dollah bill (I can set you straight)
Meet me onna corner boy'n don't be late
Man in a suite with bow-tie neck
Wanna buy a grunt with a third party check
Standin' onna porch of the Lido Hotel
Floozies in the lobby love the way I sell:
HOT MEAT HOT RATS HOT ZITS HOT WRISTS HOT RITZ HOT ROOTS HOT SOOTS

MIS CLÁSICOS. George Harrison.

GEORGE HARRISON.
1979.

Cuando escuché All things must past, quedé impresionado de la capacidad de Harrison como compositor de canciones, el bajo perfil que mostraba en los Beatles, detrás de Lennon y McCartney, no permitía apreciar esta habilidad, el álbum triple, primero de Harrison después de la separación del grupo, se convirtió de inmediato en uno de mis favoritos desde entonces y hasta el día de hoy.


Después, pasaron los años y los discos de mi Beatle favorito y yo no les puse atención, estaba ocupado explorando otras manifestaciones musicales vastas y apasionantes, hasta que decidí volver a tener un disco del olvidado, este fue el elegido, que en ese tiempo, era la más reciente producción de George Harrison y se llamaba así justamente.

La primera sorpresa que recibí, fue descubrir que el tono solemne, hasta cierto grado triste de las canciones que había escuchado antes aparecía muy poco y en esta grabación, había piezas más festivas, menos cargadas a la solemnidad religiosa y más dedicadas a celebrar la vida. Poco a poco fui develando, canción por canción, la obra completa y gradualmente me fueron gustando, cada día más todas y cada una de las canciones, hasta llegar al momento en que todo el álbum, nota por nota, me resultaba sumamente placentero, mis primeras favoritas fueron Blow Away y Soft touch, después Love Comes to Everyone y Here Comes the Moon, que es como la hermana de Here Comes the Sun, grabada con Beatles.

En el disco no hay nada de experimentos novedosos, nada de estructuras intrincadas ni sonidos que no hubieramos escuchado antes, sólo sencillas, sentidas y hermosas canciones como las que supo hacer siempre el Beatle solitario. En el video, la canción del álbum que de inmediato llamó mi atención, Blow Away, canción de amor del Beatle amoroso, quien murió creyendo en este sentimiento, como en el deseo de Cat Stevens: Quizas algún día pudieramos morir enamorados.* que Harrison llevó a cabo al pie de la letra.

*En Foreigner Suite, de 1973.

CANCIONES FAVORITAS. The Inner Light.

THE INNER LIGHT.
George Harrison.

The Inner Light fue el primer sencillo de The Beatles con una canción de George Harrison, quien se había interesado en la religión y la música hindúes, intereses que están claramente reflejados en la estructura de la canción, la utilización de instrumentos musicales de la India y en el texto mismo, que fue tomado del Dao De Jing, que es el texto principal de la religión daoísta.

Para este redactor, es la mejor canción, no de Harrison con The Beatles, sino de todas las que grabó el cuarteto, por encima de las más geniales piezas de Lennon y McCartney, tiene una melodía sencilla y hasta cierto punto triste, pero también muy bella y la inclusión de la sítara, como instrumento principal, le dan un toque que emociona y por si fuera poco, siento que cuando Harrison "el Beatle místico", cantaba este tipo de canciones, estaba iluminado de algún modo, por esa religiosidad que le permitía sentirse en presencia de algo divino.

La canción apareció después, en edición de CD, en el "Past Masters Volume Two", que es una de las dos recopilaciones de los sencillos de los Beatles, puestas a la venta en este formato.

La Luz Interior

Sin cruzar mi puerta
puedo conocer todas las cosas de la tierra
sin asomarme a la ventana
podría conocer las sendas del cielo
más lejos viaja uno,
menos conoce,
menos conoce.

Sin cruzar tu puerta
puedes conocer todas las cosas de la tierra
sin asomarte a la ventana
puedes conocer las sendas del cielo
más lejos viaja uno,
menos conoce,
menos conoce.

Llega sin viajar,
velo todo sin mirar.
míralo todo sin ver.

Traducción tomada de: "Los Beatles, Canciones Ilustradas" de Alan Aldridge, Emecé Editores, Buenos Aires 1998.

The Inner Light

Without going out of my door
I can know all things of earth
With out looking out of my window
I could know the ways of heaven .
The farther one travels
The less one knows
The less one knows .

Without going out of my door .
You can know all things of earth
Without looking out of my window
You could know the ways of heaven
The farther one travels .
The less one knows
The less one knows .

Arrive without travelling
See all without looking
See all without doing.

LOS ESPERADOS. Lord Sutch.

LORD SUTCH AND HEAVY FRIENDS.
1970.

A principios de los setentas, este disco era toda una leyenda, su protagonista era un sujeto llamado David Sutch, admirador de "Screamin'" Jay Hawkins (él se hacía llamar "Screamin' Lord Sutch) y Little Richard , fue uno de los primeros rockers que uso el pelo largo, se vestía en forma estrafalaria (como podrá verse en la portada del disco) y hacía de sus presentaciones verdaderos "performances" con ataúdes y otros efectos necrófilos.

En el disco que estamos comentando, toda esa parafernalia no se podía apreciar, pero en la portada del álbum se anunciaba al Lord Lamentoso que nadie sabia quién era, ni de dónde lo habían sacado y sus Amigos los Pesados y hay que recordar que en esos años "pesado" tenía una connotación rebelde, iconoclasta, escandalosa, irrespetuosa, no complaciente, no comercial, anegrado y todo lo similar que a usted se le ocurra, resultando que los cuates pesados del Noble Gritón, anunciados en la misma cubierta eran: Jimmy Page, John Bonham, Jeff Beck, Noel Redding y Nicky Hopkins; y en su disco de 1972, estaban también: Keith Moon, Ritchie Blackmore, Matthew Fisher (sí, el que tocaba el órgano en Procol Harum) y Víctor Brox (pionero del blues inglés y parte del repertorio del primer "Jesus Christ Superstar").

No sé como le hacía el Lord "pirata" para tener esos cuates ni como los convenció para que tocaran en su disco, pero lo que es innegable, es que era la mayor reunión de rockstars que se había visto, no recuerdo si en esos años mozos escuché el disco, lo que es muy probable, porque lo editaron en México, pero si así fue, ya no me acordaba de que iba.

Con el tiempo leí y escuché opiniones y reseñas acerca de él y la mayoría coincidian en que era un disco de regular para abajo, desde el punto de vista musical, pero que era un hito histórico y pieza de coleccionistas por la tumultuosa y famosa compañía de Sutch, estos comentarios, despertaban mi curiosidad pero, no había podido conseguir el disco ni prestado, hoy encontré a alguien que me lo prestó y aquí va mi opinión.

La mayoría de las composiciones aparecen firmadas por Sutch y Jimmy Page, en algunas colaboran otros de los invitados y ninguna es un portento, ni de inventiva, ni de creatividad, no hay experimentos de ningún tipo, es simple y llanamente un disco de Rock 'n' Roll, un divertimiento rocanrolero entre amigos en el que por supuesto destaca, la calidad interpretativa y conocimiento que los invitados a la fiesta tienen del género que escogieron para ganarse la vida, allí están los riffs y solos de guitarra de Page y Beck, el piano de Hopkins, el bajo de Redding y las percusiones inmensas de Bonham.

Lista de canciones.

1. "Wailing Sounds" (Page/Sutch)– 2:38
2. "'Cause I Love You" (Bonham/Edwards/Page/Sutch) – 2:46
3. "Flashing Lights" (Page/Sutch) – 3:14
4. "Gutty Guitar" (Sutch) – 2:33
5. "Would You Believe" (Cee) - 3:20
6. "Smoke and Fire" (Sutch) - 2:38
7. "Thumping Beat" (Page/Sutch) – 3:07
8. "Union Jack Car" (Page/Sutch) – 3:03
9. "One for You, Baby" (Sutch) – 2:44
10. "L-O-N-D-O-N" (Sutch) – 2:56
11. "Brightest Light" (Cee/Sutch) - 3:57
12. "Baby, Come Back" (Page/Sutch) - 2:31

Aquí se descarga el disco.

EL DEBUT DE QUICKSILVER. LOS DISCOS DE 1968.

 
QUICKSILVER MESSENGER SERVICE.
Quicksilver Messenger Service
1968.

Estos mensajeros del flower power, del mundo nuevo y del amor son una de las bandas más originales de toda la historia del rock, formada por músicos folk que fueron desplazando el espectro musical hacia la sicodelia y el llamado rock ácido, producto de su asentamiento en la mítica Frisco de fines de los sesentas.

El mencionado periplo de un género a otros, la mentalidad colectiva que se sintetizaba en la palabra "búsqueda" y la apertura y actitud de los oyentes hacia toda propuesta musical nueva que tuviera el sello "juvenil" (en el jazz había mucha inovación sin la audiencia masiva del rock) se concatenaron para que John Cipollina en guitarra; David Freiberg guitarra, bajo y viola; Greg Elmore en los tambores y Gary Duncan guitarra y voz, produjeran este sonido que aún dentro del rock ácido y en comparación con otras bandas del género sonaran inimitablememnte.





Este es su disco debut, uno de esos debuts por demás afortunados, como muchos otros en el rock, con músicos creadores de sonoridades nuevas, mucho empuje, inspiración y fé en lo que estaban haciendo y en el caso del rock de estas épocas se consideraba algo en verdad trascendental, mucho más allá de ganarse un buen varo. Desde "Pride of Man", la canción de inicio, el escucha sabe que está ante algo especial, los coros, las formas de cerrar cada estrofa, la utilización de las guitarras (en el Quick rasgo característico) le avisan que no va a escuchar más de lo mismo.

Y para que el goce vaya en aumento, se liga con "Light your mirrors", fina pieza de orfebrería musical con las guitarras otra vez resaltando inmensamente, ambas piezas de inicio preparan la entrada de "Dino´s Song", bella balada de esas simples pero que no les falta nada para conquistar al oído y luego un rolón inconmensurable que se llama "Gold and Silver", haciendo honor al nombre, más orfebrería en metales preciosos, esta vez en una pieza instrumental que devela todos los secretos del sonido Quick en lo que concierne al uso de las guitarras.

Y el cierre que mantiene la tensión placentera, la fuerza combinada con la delicadeza en dos piezas, la primera, otra balada muy roquera al estilo de la canción de Dino y la larguísima "The Fool", otra lección de como hacer piezas largas, al estilo del jazz, sin ser aburridos, sin cansar y al contrario, generar el deseo en el auditorio de que jamás termine. 

RESEÑA. Concierto de Massive Attack.

MASSIVE ATTACK EN EL METROPOLITAN.

El miércoles 10 del presente, acudí al Teatro Metropólitan, uno de los bastiones de OCESA, la empresa que en las últimas décadas ha traído a México una gran cantidad de muy buenos conciertos, llegué dos horas antes porque no me gusta manejar cuando ya cayó la noche y porque siempre estoy pensando que voy a encontrar una cantidad de tránsito infranqueable.

Mientras esperaba a mi acompañante e invitadora me entretuve observando al ejército de revendedores de boletos que pululaban por todo el frente del teatro, ante la complacencia de un nutrido grupo de policías que no escuchaban a estos "trabajadores ilegales" repetir la misma cantaleta ad infinitum "¿te sobran o te faltan? te los compro y te los vendo" y les resultaba imposible identificarlos de tan bien camuflados que estaban (gritaban a voz en cuello :¡boletos, boletos! ¿cuántos quieres?), escena natural y cotidiana en estas tierras invadidas hasta el cuello por la más escandalosa corrupción que nación alguna haya padecido.

Cerca de las nueve de la noche hizo su aparición mi acompañante, experta en hacerme esperar, parece que disfruta pensando que me tiene dando vueltas y vueltas como Chuck Berry en su célebre canción, atacado por la impaciencia, pero incapaz de devolverle una y harto después de escuchar por lo menos 50 veces la inquisición de los representantes del "mal necesario" llamado reventa, entramos al recinto musical, ella no sé, pero yo, con la expectativa de escuchar a esta banda que ahora sé que es de Bristol, Inglaterra, pero que jamás había escuchado a pesar de que hace 22 años están en actividad (también me acabo de enterar de esto), y tan sólo con la promesa: "Te va a gustar".

Cuando entramos ya estaba cantando una chava, solita con un tecladito, una cajita de ritmos y una guitarra, nada mal para empezar a calentar el concierto, después veriamos que era una de la invitadas de la banda para este concierto y para algunos discos y pocos minutos después salió al escenario Massive Attack y todo el público se puso de pie, para no volver a sentarse hasta que la audición terminó, mientras yo me hacía la pregunta pendeja que me hago cada vez que estoy en esta situación ¿para qué diablos pagan un asiento si no lo van a utilizar? y si algún desorientado como su servidor quiere disfrutar el espectáculo desde la comodidad de su asiento, ¡ya se chingó! y más aún si uno tiene la desgracia de ser minusválido, de capacidades diferentes o algún otro eufemismo utilizado para lo que en mi infancia era un inválido y no puede estar de pie, ¡ya se chingó doblemente!, por lo menos yo tengo el consuelo de pararme a ratos.

Pero es hora de pasar a lo estrictamente musical y resulta que la desconocida banda (para mí), tiene un sonido poderoso muy cargado a la música electrónica, con unas percusiones protagónicas, polirítmicas y contundentes (literalmente), haciendo una mezcla de la ya mencionada tecno, más unos toques de jazz, ciertos momentos raperos, una influencia jamaiquina fuerte que importa Horace Andy, de quien se dice es toda una leyenda en su nativa Jamaica y quien es otro de los vocalistas invitados y una vena soulera que me resultó muy placentera y que protagonizaba Deborah Miller, una morenaza muy heavy en cualquier sentido que elijas y con una voz muy poderosa, otra vocalista invitada.

A la mitad del concierto y con tantos vocalistas, me sentía como en tocada de la Sonora Santanera, escuchando a una banda numerosa que además tiene catálogo de vocalistas que va utilizando según la rola que se interpreta y por si fuera poco el maestro Andy tiene un aire de Carlos Colorado impresionante y baila como la leyenda santanera.

Resumiendo, el encuentro con esta banda a la que según me enteré le adjudican la etiqueta de inventores del trip hop (sea lo que sea esto), pero que ellos rechazan, fue una experiencia placentera e inédita, tantos estilos ensamblados tan bien y vestidos de un ambiente oscuro que me hizo recordar un memorable concierto en este mismo recinto con la "jefa" Lisa Gerrard y los Dead Can Dance o los discos de Portishead, fue reconfortante, energizante y actualizante, ¿a quién se le ocurre hacer música dark que también suene a otra media docena de géneros o estilos? dicen que a un tal Garnt Marshall, alias Daddy G y quien es el líder del Ataque Masivo.

Y por último, hay que hacer mención especial a la escenografía y luces, muy original y económica, una especie de tablero electrónico proyectado atrás del grupo con juegos de luces, letreros, imágenes, potenciado por una buena dirección de luces escénicas encajaban perfectamente con el sonido tecno-industrisl-vanguardista de la banda.

GRANDES GUITARRISTAS. Mick Ronson.

MICK RONSON.
1946-1993.

La revista Rolling Stone colocó a Mick Ronson en el lugar 64 de su polémica lista de los 100 mejores guitarristas del rock de todos los tiempos, para quienes lo hemos escuchado por décadas y peleado por un reconocimiento mayor no estamos de acuerdo con este lugar, pero haiga sido, como haiga sido, el hecho de que esté entre los 100 mejores de la historia, entre varios miles, habla de su calidad.

Se hizo famoso como guitarrista, pero tocaba varios instrumentos, el más notable después de la guitarra fue el teclado de cualquier tipo, pero además cantaba, componía canciones, hizo labores de arreglista y de productor, todos los terrenos de la industria roquera del disco los pisó y conoció a fondo.



Tocó con muchos de los más conspicuos músicos de la escena del rock, Dylan, Van Morrison, Lou Reed, Morrisey, son algunos, pero su trabajo sobresaliente, el que lo hizo famoso e inmortal fue su pertenencia a la banda de David Bowie, con la que grabó media docena de discos, todos geniales, todos clásicos y en ellos Ronson no era un complemento o acompañante intrascendente, sino todo lo contrario, fue siempre contributente mayor al sonido que en cada placa develaba el camaleón.

Ronson siempre estuvo a la altura del genio de Bowie y lo complementó con el propio, por eso hoy lo recordamos recomendando el video que se llama "Ziggy Stardust and the Spiders of Mars" de Motion Picture y que contiene la gira de Bowie, Ronson y compañía para presentar el disco más célebre de los que hicieron juntos en él también se puede ver la que tal vez sea su mejor actuación, pero de no ser así, es un escaparate perfecto para ver de que lugar tenía Ronson entre los grandes de la guitarra.

EL FOLK-ROCK INGLÉS. The Incredible String Band.

THE INCREDIBLE STRING BAND.
1966.

El otro pilar en que estaba sostenido el Folk-Rock británico de los sesentas-setentas, era The Incredible String Band, nacida en Edimburgo, Escocia, como un trío de música folkroquerasicodélica, que era la única forma de estar en todos los géneros que les gustaban a Mike Heron, Robin Williamson y Clive Palmer, alineación de la Increíble al grabar su disco debut.

Mike Heron y Robin Williamson, fundadores y sustento de "La Increíble Banda de Cuerdas" no fueron modestos al decidir este nombre para su banda, pero tampoco mentian, su concepto de banda de rock-folk-sicodélico-orientalista-místico-celta, era realmente increíble con un sonido "acústico", rara vez se incluían instrumentos eléctricos, que recogía el folclor de su tierra , la música celta, el rock sicodélico, la música hindú y la música árabe.

Pero no sólo musicalmente, la obra de la Increíble, era un coctel, también temáticamente y en la construcción de sus letras, el pragmatismo era la línea a seguir y sus canciones incluían, leyendas escocesas y celtas, temas bucólicos, misticismo oriental, discursos jipiosos, canciones de amor y otros temas, siempre vestidos de las sutilezas, finezas, arcaísmos y bellezas de las mezclas de sonidos tomados de cualquier parte del mundo y cualquier tiempo, por Heron y Williamson, que fueron siempre la Increíble, pues todos los músicos que los han acompañado, han sido, más o menos, pasajeros.



Las grabaciones más aclamadas por críticos e historiadores son las dos que siguieron a este debut, allí está presente toda la esplendorosa creatividad de estos edimburgueses, son los discos que todo mundo conoce y de los que se habla, están en las listas de los mejores de la historia del rock, pero en este, está el origen, la semilla, el indispensable génesis de la obra extraordinaria de esta banda.

Y como origen, es el disco más "puro" de la banda, el más folk, el más escocés, con la magia de las historias y la música antiguas, propias de las sociedades tradicionales, rurales y supersticiosas, el polo opuesto al progreso, la técnica, la ciencia y la certeza, aún no aparecían las cítaras, la música árabe y el rock, era un grupo de folk que dejaba caer de pronto uno que otro pincelazo anunciador de lo que vendría, pero por lo pronto, alientos y cuerdas tocados rústica pero divinamente.

Aquí descarga el disco.

¿EL INVENTOR DEL COUNTRY-ROCK?

GRAM PARSONS.
"G P".
1973.

El post sobre New Riders sirvió para introducirnos en el género que se conoce como "country-rock", uno más de los hijos de la sicodelia y la expansión del rock a fines de los sesentas y principios de los setentas, el grupo más notable de éste híbrido fue The Byrds, para ir ubicando y otros cultivadores de él, los comentados New Riders y Flying Burrito Bothers, otras bandas cercanas al territorio country eran Creedence Clearwater Revival, Grateful Dead y de un modo u otro todos los representantes del "sonido Costa Oeste".

Gram Parsons participó en un disco de Byrds y fue integrante de Flying Burrito Brothers, pero su verdadera aportación al género del que muchos consideran padre, se dió en su carrera como solista, muy corta y con dos álbums del que el primero es "G P" y el segundo "Grievous Angel", este último no alcanzó a verlo en las tiendas por su pematura muerte, a los 26 años, a causa de una sobredosis de sustancias estimulantes, en 1973.

Nació en Florida en una familia donde el dinero abundaba e Ingram, verdadero nombre de Parsons, fue a las mejores escuelas, pero el gusto por la música descubierto en un concierto de Elvis, hizo que Gram dejara inconclusos sus estudios de Teología y se dedicara a formar bandas de rock, de las que las más famosas fueron la "International Submarine Band" y "Flying Burrito...", después de andar rocanroleando se aficionó a la música country y este hecho definió su estilo como músico y compositor de canciones sórdidas plagadas de historias de perdedores, drogos, alcohólicos y mujeres de todo tipo.

Juan Vitoria, autor del libro llamado "Los 100 mejores Discos del Rock" incluye "G P" en esta centena destacada y dice a propósito de Parsons y su capacidad para fusionar géneros, lo siguiente:

"...en "G P" notamos la influencia del beat británico que planea sobre las composiciones y arreglos country de "A Song for You", "She" y "The New Soft Shoe", tres de las mejores canciones que se han compuesto nunca...Todo el disco es una delicia, la tenue voz de Parsons, su misticismo campestre y las prestaciones que combina en clásicos como "Cry One More Time", dejando claro que también acoge emocionalmente al R&B, le valen para dejar una precisa amalgama de perfumes acústicos y elécticos."

A Gram se le considera un revolucionador del género "country" por filtrar en él pinceladas precisas de rock sicodélico y revolucionador del rock al permearlo de música ranchera y prácticamente crear un género nuevo, nunca vió fronteras en la música y por si fuera poco "descubrió" a Emmilou Harris, la gran diva de la música ranchera gringa, quien se hizo conocida por su participación en los dos discos de Parsons, mismos a los que dió un toque delicado y angelical.

Aquí se descarga el disco.